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A sneak peek behind the scenes as the world's most prestigious Ballet companies begin their day of rehearsals.
Polish off your ballet shoes and prepare to be captivated by your screens as World Ballet Day makes its triumphant return on Wednesday 1st November 2023! This annual celebration marks a day of recognition of one of our favourite forms of dance. Now in its tenth year, this year’s event is hosted by The Royal Ballet, The Australian Ballet and San Francisco Ballet. WBD have announced a dazzling line-up featuring over 60 companies from across the world also taking part, including: Royal New Zealand Ballet, The Australian Ballet, National Ballet of Japan, Royal Academy of Dance, Ballet de Barcelona, Dutch National Ballet, The Royal Ballet, Houston Ballet, Singapore Dance Theatre and American Ballet Theatre to name a few.
*Tip: Head to World Ballet Day to set a reminder for each stream to make sure you don’t miss a moment of the action.
]]>Su arduo trabajo de entrenamiento como bailarín inevitablemente producirá algo de sangre, sudor y lágrimas en algún momento, por lo que es imprescindible tener un botiquín de primeros auxilios. Una molesta ampolla de horas en punto o un rasguño en la rodilla debido a una combinación intensa de trabajo en el piso es muy probable, pero no debe preocuparse porque esos vendajes escondidos en su bolsa de baile lo mantendrán seguro y cómodo.
Medias se rompen, los zapatos se rompen y la temperatura del estudio puede cambiar en cualquier momento, por lo que tener una reserva extra de ropa de baile (¡incluidos algunos pares de medias de repuesto!) en tu bolso será útil. A medida que adquiera más experiencia, invertir en un par adicional de zapatos de punta o tornillos para su zapatos de tap también será beneficioso para esos percances imprevistos.
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The Shim Sham se estableció en la década de 1930, cuando Leonard Reed y su compañero Willie Bryant buscaban un nuevo final para su acto. Conocido primero como la rutina "Goofus", los pasos (simplemente talón, punta, con otras variaciones, hasta cuatro coros de ocho compases) se conocieron como Shim Sham, llamado así por un club donde el dúo actuaba regularmente. El bailar se consideró un baile en línea porque era muy fácil de aprender y requería que la audiencia se uniera al movimiento. Esta es también una opción popular entre los bailarines de swing.
Shirley Temple no solo fue una auténtica estrella infantil de Hollywood en la década de 1930, bailando junto a leyendas del claqué como Bill "Bojangles" Robinson, pero también fue pionera en sus propios movimientos. El paso (flap R, heel L, heel R, pull toe L heel R, toe L, heel R) se repitió en tantas de sus películas icónicas que finalmente se conoció como The Shirley Temple. También se le conoce como Manhattan o Broadway.
Max Ford era conocido como un bailarín de "Buck and Wing", un bailar estilo inspirado en influencias africanas e irlandesas y popularizado en los escenarios de Nueva York durante la década de 1880. Ford comenzó a bailar con “The Four Fords”, junto con sus tres hermanos, y fue uno de los tappers más hábiles de su tiempo. El paso acreditado a su nombre, Maxie Ford, es un paso de cuatro partes (paso R, shuffle L, salto L, toe R) y sigue siendo uno de los pasos de tap más enseñados y ampliamente reconocibles en la actualidad.
El Buffalo, también conocido como Shuffle Off to Buffalo, fue creado por el bailarín de vodevil Pat Rooney en la década de 1880. Según cuenta la historia, Rooney incorporó el paso aleatorio de viaje, saltando repetidamente con un pie (con una pierna doblada) mientras arrastraba el otro (con una pierna estirada), en su salida del escenario en Shea's Buffalo Theatre en Buffalo, Nueva York. Supuestamente, el director de escena era conocido por negarse a no llamar a un apagón cuando terminaba la actuación del bailarín.
Al hijo de Pat Rooney Sr., que también era un artista de vodevil, a Rooney Jr. también se le atribuye haber hecho de Falling Off the Log un popular paso de tap. WC. Fields, un artista estadounidense de principios del siglo XX, comentó una vez sobre el estilo de baile elegante y fluido de Rooney, diciendo: "Si no escucharas los toques, pensarías que estaba flotando sobre el escenario".
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]]>A pesar de tutús y zapatos de punta no se introduciría durante varios cientos de años, había algunos elementos de coreografía modificados de los pasos de baile populares de la corte. Avance rápido un par de siglos y el ballet continuó transformándose en un verdadero arte.
A fines del siglo XIX, el ballet floreció en Rusia, produciendo grandes maestros e innovadores. El bailarín y coreógrafo Marius Petipa colaboró con Lev Ivanov para crear clásicos como El cascanueces y Lago de los cisnes, con partituras de Pyotr Illyich Tchaikovsky.
Durante este período, Enrico Cecchetti fue pionero en su técnica revolucionaria, que se centraba más en la individualidad del bailarín que en forzar la participación o agregar florituras estilísticas. Bajo la tutela de Cecchetti, Anna Pavlova (nacida en 1881) comenzó a estudiar ballet a la tierna edad de ocho años en la Imperial Theatre School de San Petersburgo. Más tarde se convertiría posiblemente en la primera bailarina icónica.
A principios del siglo XX, Serge Diaghilev, nacido en Rusia, formó Ballet Russes en París. La innovadora compañía promovió asociaciones artísticas entre jóvenes coreógrafos, compositores, diseñadores y bailarines, incluidos los compositores Igor Stravinsky y Claude DeBussy, los artistas Vasily Kandinsky y Pablo Picasso, y la reconocida diseñadora de vestuario Coco Chanel.
En 1924, un joven Jorge Balanchine dejó la Unión Soviética para unirse al Ballet Russes de Diaghilev. Dighilev, conocido por detectar talentos, rápidamente dejó que el confiado ruso creara ballets para la compañía. Versiones de producciones, incluida la de Michel Fokine las sílfides y de Balanchine Apolo y el hijo pródigo, todavía se realizan ampliamente hoy en día.
La carrera de Baryshnikov, uno de los mejores bailarines masculinos que el mundo haya visto jamás, alcanzó alturas sin precedentes. Bailó profesionalmente con el American Ballet Theatre a partir de la década de 1970, y luego se convirtió en el director artístico de la compañía durante diez años.
Luego pasó a coreografiar, dirigir y actuar en el escenario, con papeles estelares en películas memorables como El punto de inflexión con Shirley MacLaine y noches blancas con Gregorio Hines. Incluso hizo un cameo notable como uno de los novios de Carrie Bradshaw en sexo y la ciudad. Baryshnikov es actualmente el director artístico del Baryshnikov Arts Center en la ciudad de Nueva York.
Nacida en Inglaterra en 1919, Fonteyn comenzó su formación en la Vic-Wells Ballet School, que más tarde se convertiría en The Royal Ballet School. Luego pasó a bailar con la compañía oficial de la escuela, The Royal Ballet, interpretando papeles principales en Giselle, Cinderella y The Sleeping Beauty, entre otros.
Fonteyn Más tarde fue nombrada Prima Ballerina por la reina Isabel II. A los 42 años, desafió las normas de la industria cuando, en lugar de retirarse, formó una sociedad artística con Rudolf Nureyev, que tenía 24 años.
Reconocida como pionera de la danza moderna, Graham no comenzó a bailar hasta 1911 cuando tenía 22 años. Creó su propia técnica que produjo 181 obras y entrenó a notables leyendas de la danza, como Paul Taylor, Twyla Tharp, Alvin Ailey y Merce Cunningham. . Su empresa homónima ta Escuela de Danza Contemporánea Martha Graham en la ciudad de Nueva York, sigue influyendo en las generaciones de hoy.
Nacido en 1878, tsu maestro hoofer derribó las barreras raciales con sus movimientos innovadores del vodevil a los escenarios de Broadway. Realizó su famoso "baile de escaleras" en una película con la estrella de cine infantil Shirley Temple, así como con el legendario grifo dúo Los hermanos Nicolás. Transformó el tapping aleatorio con los pies planos con su estilo de tapping de puntillas que presentaba un tipo de ritmo más swing.
El bailarín de ballet, director y coreógrafo nacido en la Unión Soviética, Nureyev, es aclamado por inspirar a artistas masculinos en ballet y la danza moderna en todo el mundo, y por una buena razón. Después de entrenar en el Instituto Coreográfico Vaganova en Leningrado a los 17 años, la estrella se unió al Kirov Ballet en 1958.
Los aspectos más destacados de su carrera incluyen una larga temporada como artista invitado con The Royal Ballet desde 1962 hasta mediados de la década de 1970, así como actuaciones famosas con estrellas como Margot Fonteyn. — ambos de los cuales le valió elogios internacionales.
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]]>Con su capacidad única para unir, inspirar y capturar la imaginación, no es de extrañar que la esencia de bailar ha sido una fuente de inspiración tan profunda para los artistas de todas las épocas, que intentarían documentarlo o capturarlo en sus obras famosas. Únase a nosotros mientras mostramos algunas de nuestras obras de arte históricas favoritas centradas en nuestro tema favorito de la danza.
Este retrato al óleo de 1862 del famoso español ballet La bailarina Dolores Melea (nombre artístico Lola de Valance) formó parte de una serie de obras que pintó Manet, reflejando el gusto popular por los temas españoles de la época. Manet presenta a Dolores en los momentos previos ejecutando on escenario, (la audiencia del teatro se puede ver a la derecha de la pintura) pero, de hecho, la pintó en su estudio en París y la agregó a la audiencia más tarde.
Lo que inicialmente comenzó como un encargo para el cantante de ópera francés Jean-Baptiste Faure (Degas en realidad terminó entregando una pieza similar a Faure titulada la clase de baile) entre 1871-1874, la clase de ballet resultó ser una de sus pinturas de danza más famosas. Degas fue un prolífico pintor de bailarines a lo largo de su carrera; de hecho, más de la mitad de su producción artística presenta bailarines en el escenario, ensayando o descansando.
Toulouse-Lautrec, uno de los pintores posimpresionistas más destacados, es mejor conocido por documentar la vida teatral del siglo XIX en París. El tema de esta pintura es una bailarina en delicado ropa de baile constando de zapatillas de ballet, medias de baile y frío. Parece estar cansada, con el pelo suelto, sentada en una posición encorvada... ¿tal vez acaba de terminar la clase?
Completada en 1904, esta pintura al óleo del artista realista estadounidense Robert Henri presenta un retrato bellamente realizado de una bailarina de "Sevillana" (la sevillana es una danza folclórica de Sevilla en España). En la primera parte del siglo XX, Henri se sintió atraído por una idea muy romántica de España y se inspiró para capturar a la bailarina con el traje tradicional de Sevillana, ¡completa con castañuelas!
Raoul Dufy se había inspirado en su exposición a las obras fauvistas de Henri Matisse, lo que le llevó a adoptar el estilo por el que se hizo famoso con esta incursión temprana en el fauvismo. el baile popular muestra parejas bailando al aire libre, en lo que parece ser una ciudad francesa a juzgar por las banderas.
Una orquesta sentada en el fondo está tocando música con la que bailan los que están en primer plano. El estilo, la composición y el color de esta pintura al óleo se combinan para crear una vitalidad que transmite maravillosamente la alegría pura de la música y la danza.
En 1909, Matisse pintó la primera de dos pinturas al óleo relacionadas que representan cuatro figuras bailando. La disposición de las bailarinas de Matisse se parece mucho a la composición de las hadas de Blake en el mencionado Oberon, Titania y Puck con hadas bailando. Danza (yo). Este es un estudio compositivo para una pintura posterior llamada El baile, que fue producido para un coleccionista de arte ruso.
A Matisse le gustaba especialmente bailar (yo) diciendo que era para él: “el abrumador clímax de la luminosidad”. Muchas personas adoran esta pintura por su calidad onírica y su uso cautivador de colores pálidos realzados, y es fácil ver por qué.
¿Reconoces algo aquí? Estudio del artista "El baile" incorpora una pintura dentro de una pintura. Aquí Lichtenstein recrea una obra de Matisse antes mencionada, con una vista de su propio estudio en 1909 que incluye su obra maestra. "El baile" en el fondo. Sin embargo, una diferencia clave en el estilo es que Lichtenstein presenta a los bailarines de Matisse a través de la lente del arte pop, un movimiento artístico que se convirtió en su marca registrada.
Como pionero de las artes visuales del período romántico, el tema de esta acuarela del siglo XVIII es la última escena de la obra de Shakespeare. Sueño de una noche de verano. Bailando "de la mano con la gracia de las hadas", la escena final de la obra ve a los personajes de la pintura bendiciendo a todos con los mejores deseos y buena fortuna, y Puck explica que los eventos de la obra en sí no son más que un sueño. Sueño de una noche de verano se ha vuelto extremadamente popular ballet producción desde el debut de Jorge BalanchineLa interpretación de la obra de 1962.
El estilo artístico característico de Keith Haring es muy reconocible en todo el mundo, y su obra de 1987 Sin título (Baile) no es una excepción. Con cinco bailarines, Haring utiliza colores primarios vivos y líneas audaces para crear una sensación de movimiento. Como toda su obra, Sin título (Baile) crea una sensación de diversión, vida y unidad, y qué mejores formas hay para describir la danza, ¿verdad?
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]]>Mientras leotardos son quizás sinónimos de danza en la mente de muchas personas, los dos no siempre han estado tan estrechamente conectados. Aquí trazamos este ascenso y ascenso de este famoso elemento básico de la danza.
¡Extraño pero cierto! El leotardo (o maillot como se le conoció por primera vez) en realidad recibió su nombre de un acróbata francés del siglo XIX llamado Jules Léotard, famoso por traspasar los límites de la interpretación del trapecio. En su búsqueda por hacer su actuación más dramática, diseñó una prenda ajustada de una sola pieza destinada a mostrar su físico mientras le permitía moverse sin restricciones, y así nació el estilo original de leotardo. Sin embargo, el diseño del maillot de Léotard solo pasó a llamarse maillot muchos años después de su muerte en 1870.
El diseño del maillot de Monsieur Léotard inicialmente solo estaba destinado a ser usado por hombres. Cuando Léotard realizó su acto de trapecio en un circo, su maillot pronto se hizo popular entre otros tipos de artistas de circo masculinos, como los "hombres fuertes".
Hoy en día, los maillots tienen un atractivo universal y se usan para muchos deportes y regímenes de ejercicio, se modifican y se adaptan para satisfacer las necesidades de la actividad específica para la que se requieren. En consecuencia, esta prenda básica ahora se usa para patinar sobre hielo, gimnasia, interpretación y actuación, atletismo, ciclismo y, por supuesto, danza.
Los artistas de circo y acróbatas todavía usan leotardos en la actualidad, e incluso el diseño moderno de un traje de baño de una pieza para mujer se puede remontar al leotardo.
Desde que apareció el maillot por primera vez, los diseños y el uso de los maillots han cambiado y evolucionado sustancialmente. En la década de 1950, los artistas de teatro y artistas de circo usaban principalmente leotardos, pero a medida que avanzaba la década de 1970, los leotardos de colores lisos se hicieron populares como ropa de ejercicio en las escuelas y aptitud física centros
En la década de 1970, los leotardos de colores brillantes se convirtieron en el estilo de moda. La mayoría de los leotardos estaban hechos de poliéster, sin embargo, en la década de 1980, el avance tecnológico en la fabricación textil vio la introducción de Spandex y Lycra. —dos materiales que cuentan con excepcionales cualidades elásticas.
Hoy en día, se pueden utilizar todo tipo de materiales en la fabricación de leotardos, incluidos algodón, terciopelo, velour y telas metalizadas. También es común que presenten diseños y adornos ornamentados, especialmente en el caso de gimnasia.
Los estilos de leotardos también han evolucionado a lo largo de los años, dando como resultado las configuraciones de leotardos y camisetas sin mangas. Unitards — cuales son también conocidas como medias corporales — son un tipo de leotardo que cubre no solo la parte superior del cuerpo, sino también las piernas, por lo que se puede considerar como un leotardo con medias. Los unitards son utilizados con frecuencia por bailarines, acróbatas, gimnastas, atletas y artistas de teatro.
Camisetas sin mangas también son prendas de una sola pieza, pero a diferencia de los leotardos que se cortan por encima de las piernas, las camisetas sin mangas cubren la parte superior de las piernas como si fueran ceñidas bermudas. Las camisetas se utilizan principalmente en la lucha libre. Los Biketards son muy similares a las camisetas sin mangas en el sentido de que están ajustados, con pantalones cortos incorporados para cubrir hasta la mitad del muslo. Pueden ser usados por ciclistas, luchadores y remeros, pero también son comúnmente utilizados por bailarines y gimnastas.
Mirando hacia atrás en la moda de las décadas de 1970 y 1980, está claro que hubo un gran cambio en las tendencias. Una explosión en la popularidad de los maillots en la década de 1970 fue impulsada por la llegada de la música disco y la obsesión mundial por los ejercicios aeróbicos. entrenamientos. Estos diseños fueron promovidos por celebridades como Jane Fonda, quien puso su nombre en una serie de videos de ejercicios enérgicos, y como tal, el maillot prácticamente personifica la moda de los años setenta.
Los maillots de hombre suelen diferir de los estilos populares de mujer en varios aspectos. En primer lugar, por lo general tienen la parte delantera y las piernas de corte más bajo, como el estilo trasero de asiento completo, o la parte delantera y las piernas de corte muy alto, como un diseño de tanga. El leotardo de tanga para hombre es el más utilizado para el ballet y se usa con medias de ballet en la parte superior, de modo que no se vea ninguna línea debajo.
Otra diferencia importante entre los leotardos masculinos y femeninos es que los estilos de las mujeres a menudo pueden presentar destellos, materiales adicionales, decoraciones, estampados y colores que son mucho más femeninos y ornamentados, mientras que los diseños de los hombres tienden a ser mucho más simples, generalmente en una paleta de colores apagados. sin decoración.
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